歌舞伎音楽においてその打楽器と笛のセクションである囃子は「歌舞伎囃子」ということですが、元は「能楽囃子」といわれる日本の伝統的な演劇である「能」の打楽器と笛による伴奏音楽でした。多くの場合、長唄とともに舞台上に出て演奏すること（これを「出囃子」といいます）から「長唄囃子」とも呼ばれます。初、歌舞伎という江戸時代の始めに京都の四条河原において発祥した芸能に伴奏に参加したのはその能楽の囃子だったそうです。しばらくして三味線が普及したところ、その表現力の豊かさゆえに歌舞伎音楽の主役は取って代わられ、囃子は新たに三味線音楽の伴奏としての進化をすることになります。

先人たちは四拍子（しびょうし／笛、小鼓、大鼓、締太鼓の4種類のこと）による能楽の謡いや舞のリズムを支えるための演奏から、三味線音楽の自由なリズムやメロディに自在に追従するためにさまざまな工夫を凝らしたものと思います。能楽において囃子は「音楽の骨組みを担っている」という意味でドラムス的な印象ですが、三味線音楽においてはどちらかというとパーカッション的な存在なのです。こうして「チリカラ拍子」のような特殊な奏法も開発されました。また歌舞伎の演劇的な進化に伴い、大太鼓や鉦などさまざまな種類の打楽器や笛を使い分けることで、多くの意味や情景を表現できるようになっていきました。こうして「歌舞伎囃子」また「長唄囃子」とも呼ばれる重要なパートとして存続してきたのです。

これは三味線音楽のみならず他の伝統芸能にもいえることだと思いますが、これら古典といわれる音楽では大勢での合奏でも指揮者というものが存在しません。タテと呼ばれるパートごとのトップが主に演奏をリードしますが、演奏者各々が常に全体の進行を見渡し、自分の立ち位置を認識しつつ演奏することが非常に重要です。そうすることで初めて、調和のとれた演奏が成立します。

近年では演奏技術の向上から邦楽器による現代音楽の作曲、演奏というものが普通になってきています。指揮者が存在することで初めて演奏が成立する大編成の曲もあります。それはそれで貴重なことだと思うのですが、その多くは和楽器による西洋音楽の演奏に思えてなりません。それは私たち日本人が英語を操るような感覚に近いものです。私は音楽を語学にたとえてお話することがよくあるのですが、日本の音楽は表意文字の漢字と表音文字の「かな」の混ざった日本語の書き言葉のように、また西洋の音楽は表音文字のアルファベットのように感じるのです。

表意文字のところはその文字の意味を知りませんと音だけでは理解できませんが、表音文字の部分は聴くだけでその意味を感じることができます。これはまず文化的な違いであり、すなわち音楽言語として大きな相違です。私はこのことを踏まえた上でも、あえて古典も現代音楽も同じ線上にとらえて考えていきたいと思うものです。

私は未来において、日本語の現代音楽を世界に発信することがごく普遍的になることを夢見ています。そしてその夢に相反することのようですが、世界中の作曲者が自身の作曲に気軽に邦楽器のパートを書き込むことができる日がくることも願って止みません。
（文：望月 太喜之丞）